La brève histoire du motif floral

Pendant des siècles, les gens ont utilisé de vraies fleurs pour décorer leurs vêtements - avec des couronnes, des bouquets et des broches de fleurs. Elles ajoutaient une touche parfumée à tout vêtement, personnalisaient une tenue et lui donnaient un parfum sublime.

C'est au cours du XIIe siècle en Chine que des tissus magnifiquement brodés de fleurs et de scènes de la nature, ont été utilisés dans l'habillement. Cette tendance s'est rapidement répandue dans de nombreux autres pays du Moyen-Orient et d'Asie. À la fin du siècle, le Japon utilisait également des broderies florales complexes sur les kimonos. 

Cependant, quand les gens ont vraiment commencé à utiliser les fleurs et à les transformer en superbes imprimés sur les tissus ? Essayons de le découvrir ! Ce sera donc une histoire sur la naissance de l'imprimé floral. Et pourtant, ce sera aussi une histoire sur la décoration florale dans différentes cultures, à différentes époques et de différentes manières.

Le monde antique 

Les anciens Égyptiens sont connus comme les premiers fleuristes. Ils ont créé des motifs de couronnes, de guirlandes et de centres de table très stylisés pour les grands événements tels que les banquets, les processions, les enterrements et les offrandes dans les temples. En outre, les compositions florales étaient un luxe réservé à la noblesse et aux membres de la famille royale.

Les caractéristiques du design floral égyptien sont l'ordre, la simplicité et la répétition d'un motif particulier. Les fleurs, les fruits et le feuillage étaient disposés dans des récipients comme des vases à bec et des paniers. C'est assez particulier, car les Égyptiens montraient rarement la tige d'une fleur et chaque fleur était flanquée de feuilles ou de bourgeons supplémentaires. 

Le plus souvent, ils utilisaient des roses, des acacias, des coquelicots, des violettes, du jasmin, des lys et des narcisses. Ils faisaient leurs sélections en fonction des significations symboliques qu'ils attribuaient à chaque fleur, et la fleur de lotus, en particulier, était considérée comme sacrée. Ils croyaient que son centre jaune et ses pétales blancs signifiaient Râ, le Dieu Soleil, et son utilisation était omniprésente.

Les fleurs de lotus étaient principalement utilisées pour décorer les hommages funéraires floraux et, bien sûr, elles étaient utilisées comme un symbole de beauté et comme une sorte d'accessoire de mode.

Le design floral des Grecs, des Romains et des Byzantins 

Les femmes grecques et romaines de l'Antiquité utilisaient des fleurs dans leurs cheveux, portaient des couronnes de fleurs parfumées et des guirlandes de fleurs lors des occasions festives. D'ailleurs, les hommes aussi utilisaient les fleurs comme décorations. 
 
Les trois pierres angulaires de la décoration florale grecque sont la guirlande, la couronne et la corne d'abondance. Les couronnes étaient particulièrement importantes, et étaient officiellement fabriquées par les fleuristes. Dans la conception grecque, la couleur de la fleur n'a jamais été aussi importante que son parfum et le symbolisme qui lui est associé. Les compositions florales grecques comprenaient des jacinthes, du chèvrefeuille, des roses, des lys, des tulipes, des pieds-d'alouette et des soucis. Ils utilisaient également des herbes décoratives comme le romarin, le basilic en fleur et le thym. Ces fleurs étaient obtenues par le commerce. Les Romains ont également eu un impact durable sur notre patrimoine floral, avec le Dies Rosationi (jour de l'ornementation des roses), une tradition dans laquelle ils commémoraient les morts en plaçant des fleurs sur les lieux de sépulture. 

À l'époque de l'Empire byzantin, les guirlandes romaines ont été modifiées en rendant la bande de feuillage plus étroite et en alternant fleurs et fruits avec le feuillage. Ils ont également créé des motifs en spirale et coniques, en utilisant des grappes de fleurs à intervalles réguliers. Les fleurs les plus populaires à cette époque étaient les marguerites, les lis, les oeillets, les cyprès et les pins. En gros, tout ce qui était doré et de couleur bijou, qui représentait les carreaux de mosaïque colorés populaires à cette époque. 

Le design floral de l'époque médiévale et de la Renaissance 

Portrait d'Aliénor de Tolède et de son fils par Agnolo Bronzino, vers 1545 Lieu - Galerie des Offices, Florence

Au Moyen Âge, les fleurs étaient principalement utilisées dans les églises et les monastères. Les moines étaient les fleuristes médiévaux qui utilisaient les fleurs à des fins médicinales. Bien qu'il y ait eu peu de décoration florale, les fleurs odorantes étaient recherchées pour rafraîchir l'air et faire des guirlandes et des couronnes. Les moines médiévaux étaient des jardiniers qui ont commencé à cultiver de nombreuses herbes et fleurs exotiques, ouvrant ainsi la voie à l'ère suivante et à son époque florissante de conception florale.

La période de la Renaissance a vu se perpétuer certaines des caractéristiques des styles grecs et romains. Les fruits et les cônes, et les feuillages comme l'olivier, le lierre et le laurier étaient souvent disposés avec les fleurs. Les fleurs les plus utilisées à l'époque de la Renaissance étaient les marguerites, le muguet, les lis, les violettes, les roses et les primevères. C'est à cette époque qu'ont été introduites les premières couronnes de Noël. Les motifs floraux étaient naturalistes au début, mais ils sont devenus plus ornés à la fin de la Renaissance. 

Au cours des XVe et XVIe siècles, Venise et Florence étaient réputées pour leurs somptueux tissus de velours incorporant des fils d'or et d'argent avec de grands motifs floraux d'après le motif de la grenade. 

Les premiers tissus à motifs floraux sont apparus à la fin du Moyen Âge, car les marchands italiens faisaient régulièrement du commerce avec les fabricants de textiles ottomans et apportaient en Europe de somptueux tissus de velours. Les tisseurs italiens ont fini par trouver le moyen de copier les motifs de ces tissus de velours ottomans et ont commencé à produire des textiles luxueux avec des motifs organiques comme la grenade et la vigne. Ces premiers motifs floraux étaient cependant assez ornés, lourds et stylisés. 

Une industrie du tissage de la soie existe en France depuis le XVe siècle, centrée sur la ville de Tours. Sous le roi Louis XIV, le surintendant des finances Jean-Baptiste Colbert a lancé un ambitieux programme d'organisation et de promotion des industries textiles en France, tant sur le plan national qu'international. Lyon, qui était auparavant un centre commercial important pour les marchands qui importaient des textiles italiens, est devenue le centre de l'industrie réorganisée, et a ensuite dépassé Tours en tant que plus grand producteur français de textiles de soie de luxe.

Au milieu du XVIIIe siècle, les créateurs de soie anglais se distinguèrent du goût français pour les types floraux généralisés en produisant des motifs floraux de rechange souvent basés sur des spécimens botaniques réels ou des gravures. 

Le XVIIIe siècle a également vu l'apparition de motifs floraux exotiques en Europe. Et ce n'est pas le tissu de soie, mais l'impression sur coton qui a modifié les motifs floraux.

L'un des tissus floraux les plus célèbres, le chintz, était à l'origine un textile en calicot glacé, originaire de l'Inde où il a été fabriqué à la main entre 1600 et 1800. Ces textiles étaient imprimés avec des motifs représentant des fleurs et d'autres motifs naturels dans différentes couleurs vives, généralement sur un fond uni clair. Parfois, les motifs floraux étaient représentés sur un fond sombre, comme on peut le voir sur la photo ci-dessus. 
Au XVIIIe siècle, le chintz est devenu très populaire et, à cette époque, il était exporté vers l'Europe via les marchands néerlandais et britanniques. En 1759, les fabricants britanniques ont résolu le mystère de la production du chintz et ont pu l'imprimer à bas prix. 

La plupart des cotons imprimés utilisés pour l'habillement étaient basés sur des motifs floraux. Vers le milieu du siècle, les tissus imitaient les brocarts de soie à la mode avec des fleurs européennes (tulipes, oeillets, roses et daises) incorporées dans des motifs plus traditionnellement indiens sur un fond blanc. Dans les années 1780, des motifs plus audacieux avec des tiges tordues sont devenus de plus en plus à la mode. Dans les années 1790, les petits motifs floraux en "brindilles" avec de minuscules motifs sur fond pastel sont devenus bon marché et donc populaires pour les vêtements de la classe ouvrière ; de plus, certains tissus vestimentaires se sont éloignés des fonds blancs pour inclure le jaune, le rouge et le marron.

En France, ces tissus imprimés (quelle que soit leur origine) étaient généralement appelés "indiennes", bien qu'ils soient également connus sous le nom de toiles peintes et de toiles imprimées. 

Le XVIIIe siècle marque non seulement le début de la prolifération des motifs exotiques dans la mode européenne, mais aussi la popularité croissante des imprimés floraux.

Les motifs floraux au XIXe siècle 

Le XIXe siècle a d'une certaine manière montré le point culminant de la popularité des motifs floraux, mais il a également été éclectique dans son approche et moins original dans l'interprétation des motifs. Cependant, cette époque a également connu de nombreux moments forts. 

Sous l'influence de la révolution industrielle, la production textile a été multipliée par dix et les tissus de chintz imprimés à la machine ont inondé le marché et ont été largement utilisés dans les robes de jour des femmes. Un rôle important a été donné au langage floral du XIXe siècle. Il a été repris par l'engouement romantique pour le passé. 

Des cadeaux de fleurs, de plantes et d'arrangements floraux spécifiques étaient utilisés pour envoyer un message codé au destinataire, permettant à l'expéditeur d'exprimer des sentiments qui ne pouvaient pas être exprimés à haute voix dans la société victorienne. Armés de dictionnaires floraux, les Victoriens échangeaient souvent avec de petits "bouquets parlants", appelés "nosegays" ou "tussie-mussies", qu'ils pouvaient porter ou transporter comme un accessoire de mode.  

À la fin du XIXe siècle, les artistes européens, en particulier les impressionnistes, ont commencé à s'intéresser aux arts d'Asie. En représentant des paravents chinois et des kimonos japonais dans leurs peintures, ces artistes ont de nouveau lancé la tendance à l'orientalisme qui a duré jusqu'à la Seconde Guerre mondiale. Les tissus de mode de cette époque, en particulier ceux créés dans le style Art Nouveau, présentaient des motifs floraux stylisés et modernes inspirés des exemples de l'Asie de l'Est.